Le peintre transcende l'instantané pour donner à ses tableaux une valeur permanente et universelle. Ce ne sont plus des Juifs massacrés, ce ne sont plus des Européens à la recherche d’un autre habitat. C'est notre humanité, nous sommes nous-mêmes exposés à l'écran. (Roger Bastide)

Lorsque Lasar Segall arrive au Brésil, il ramène avec lui des souvenirs de son enfance passée en Lituanie, en Europe de l'Est. Tels étaient les souvenirs enracinés dans sa famille et dans des milliers de familles juives qui, dans leur ancienne diaspora, habitaient les différents pays situés entre l'Allemagne et la Russie.

Ces souvenirs, des shtetls et des ghettos, mélangeaient le monde magique de la vie d'enfant dans la communauté avec les souvenirs de siècles de persécution, de souffrance et de discrimination raciale. Les symboles joyeux, la musique, la danse, les jeux et les animaux, d'une part ; de l'autre, les préjugés, la pauvreté, les conditions matérielles difficiles et les persécutions raciales.

Même si le Brésil a peu de points communs avec l'environnement de l'Europe de l'Est, pays d'origine de Segall, c'est précisément à travers ce contexte, lié au monde magique de l'enfance dans le judaïsme et aux souffrances résultant de la vie juive dans cette région, que Segall a pu se l'approprier de manière si naturelle et compétente sur des thèmes chers à la vie brésilienne. Les inégalités d'un pays comptant un énorme contingent de citoyens misérables, récemment libérés de l'esclavage, étaient condensées dans le tableau de Segall comme si le ghetto et le pogrom trouvaient leurs parallèles au Brésil en substance, la favela et l'esclavage - ou la mémoire de l'esclavage. Le thème de l'esclavage, si cher au peuple juif, présent dans l'imaginaire religieux : Moïse et la fuite d'Egypte.

D’un autre côté, c’est aussi le côté universaliste et cosmopolite de sa formation de juif de la diaspora qui lui a permis d’incorporer rapidement dans son œuvre le thème du modernisme brésilien, qui cherchait à sauver et à recréer les symboles nationaux. À cet égard, écrit Gilberto Freyre : « De nombreux peintres nous nous souvenons seulement du plaisir que leurs peintures donnent à nos yeux. De Lasar Segall, non : il devient un compagnon de nos recherches et, surtout, de nos silences. Il enrichit notre contact avec le monde déjà vu de telle manière que, parfois, il semble comme un nouveau contact. Il nous accompagne toujours. Pas lui-même : ses Juifs, ses noirs, son bétail, ses multitudes de malades.

Mais la tâche consistant à unir les symboles ancestraux de la vie juive au répertoire artistique du modernisme brésilien, qui émergea définitivement lors de la Semaine de l'art moderne de 1922, n'aurait pas été possible sans un troisième élément. Les inégalités et les souffrances que Segall a dépeintes tout au long de sa vie ont trouvé leur moyen d'amplification dans l'expressionnisme. Le passage de Segall en Allemagne et son lien avec la « Sécession de Dresde »1, mouvement artistique expressionniste d'après la Première Guerre mondiale, influencé par l'expressionnisme du groupe Die Brücke, constitué avant la guerre, lui font trouver dans l'expressionnisme allemand son lexique de travail de peinture et de gravure. Le manifeste fondateur de la « Sécession de Dresde » disait : « La fondation du groupe représente un élan naturel de réveil, un désir intérieur de s'éloigner pour toujours des anciennes méthodes et, tout en préservant la liberté absolue de la personnalité, de trouver de nouvelles expressions pour le monde qui nous entoure. ".

Ces artistes allemands ont redécouvert la gravure comme une forme d’expression artistique précieuse. Et c’est une autre contribution importante que Segall a apporté au Brésil. Précisément à la même période où l'artiste s'installe définitivement dans le pays, au début des années 1920, Oswaldo Goeldi, absorbant à distance les vents de l'expressionnisme allemand, commence à travailler avec des gravures sur bois. Ensemble, Segall, Goeldi et Lívio Abramo restent les grands représentants de la gravure moderniste au Brésil.

Segall est né à Vilna, capitale de la Lituanie, en 1891, où il est resté jusqu'à l'âge de 15 ans. En 1906, il s'installe en Allemagne, à Berlin puis à Dresde, où il est fortement influencé par le groupe Die Brücke. En 1913, il vint pour la première fois au Brésil ; Il revient au début des années 1920 et établit sa résidence permanente dans le pays. À la fin des années 1920, il passe un temps important à Paris, mais retourne bientôt au Brésil, sa patrie par affinité. Concernant le choix de Segall d'être brésilien, le peintre Guignard a un jour commenté : « Dieu merci, cet homme est au moins un Brésilien naturalisé !

Dans le voyage qu'il entreprend jusqu'à son installation définitive au Brésil, Lasar Segall traduit dans son travail les influences nées des différentes expériences et contacts qu'il a avec de nouveaux mondes artistiques tout au long de son chemin. Lorsqu'il quitte la Lituanie en 1906, l'œuvre de Segall reflète encore un excès académique, influencé par l'École des Beaux-Arts de Vilna, largement soutenu par son dessin précis des formes humaines. Pietro Maria Bardi raconte : « Enfant, Segall dessinait avec confiance dès qu'il tenait un crayon à la main : il est surprenant de voir à quel point il a ignoré l'exercice qui semble nécessaire pour pouvoir manier l'instrument graphique, résolvant le des formes comme si elles étaient déjà nées avec lui. En un demi-siècle de travail, le peintre a changé son style, mais jamais son esprit : dépouillé, essentiel, sûr et sans compromis".

Son arrivée à Berlin lui fait découvrir l'œuvre de Cézanne, les couleurs, la géométrie des paysages et des figures ; On remarque également l'augmentation significative de son répertoire technique dans le domaine de la peinture. Mais la découverte du maître français ne place pas Segall dans la lignée directe du post-impressionnisme de Cézanne ; Son déménagement à Dresde le met en contact avec un mouvement qui établit une langue - en peinture et en gravure - qui sera qualifiée d'éminemment allemande. L'influence de ce groupe, appelé Die Brücke2, fut définitive sur l'œuvre de Segall. À cette époque, il choisit la gravure comme forme d'expression parallèle à la peinture, créant des dizaines de gravures sur bois et de lithographies, dont beaucoup rappellent des thèmes de son enfance et des symboles du judaïsme. Dans le tableau apparaissent des couleurs plus sombres et plus fortes, les coups de pinceau délimitant l'intensité, sans que cela signifie un excès de matière sur la toile et, surtout, une liberté dans la représentation de la forme humaine.

A propos de son installation à Dresde, Lasar Segall déclare : "À la recherche de cette libération définitive, je décide vers la fin de 1910 de m'installer à Dresde. L'aspiration à un nouveau langage artistique y trouva un terrain fertile et un climat favorable à sa réalisation".

L'homme est le thème central de l'œuvre de Segall. Même s'il abandonne parfois la représentation de l'homme lorsqu'il représente une forêt et un bœuf, ou simplement des troncs d'arbres, c'est l'âme humaine, ses particularités et ses souffrances qui imprègnent chaque trait ou coup de pinceau de l'œuvre.

Segall s'installe au Brésil en décembre 1923, un peu plus d'un an après la Semaine de l'Art Moderne du 22. Récemment établi, il entre en contact avec le groupe moderniste brésilien. L'architecte Gregori Warchavchik devient un grand ami de Lasar Segall. En 1925, ce dernier peint les peintures murales du Pavillon d'art moderne Olívia Guedes Penteado, à São Paulo, s'insérant une fois pour toutes dans le milieu moderniste brésilien. Durant cette première période au Brésil, ses peintures révèlent une préoccupation sociale constante, notamment sur la question noire : il existe de nombreux portraits de personnes noires – même Segall lui-même se présente comme noir. Il absorbe les couleurs les plus vibrantes, caractéristiques du mouvement moderniste brésilien, ajoutant une nouvelle couleur à sa palette.

À propos de l'artiste, Mário de Andrade dit : "Segall est vraiment l'un des modernistes les plus intéressants que je connaisse. Il travaille indifféremment en peinture et en gravure. Admirable technique de gravure, notamment en lithographie et en gravure. Mais ce qui attire encore le plus, c'est l'esprit. Pour lui, le monde extérieur existe, mais il converge à l'intérieur de l'être rationnel, où il est recréé comme motif d'expression. Son œuvre est une merveilleuse cristallisation de la vie. Elle est vibrante. Elle crie. Elle gémit, elle pleure, elle des rires."

Durant cette période et tout au long de la phase ultérieure de son œuvre, la gravure sera toujours son moyen d'expression, fondamentalement soucieux de dénoncer les inégalités : le point culminant de cette préoccupation est l'album Mangue, publié en 1943, avec des textes de Jorge de Lima, Mário de Andrade et Manuel Bandeira. Selon Fannina Halle, « il n'est pas étonnant que Segall, saint patron artistique de tous les opprimés et humiliés, ait également ajouté ce monde aux thèmes de sa création artistique. »3

Dans les années qui suivirent son arrivée au pays, Segall réduira de plus en plus l'amplitude chromatique de sa palette, en se concentrant sur un spectre plein de tons ocre, brun et vert mousse : dans ce contexte, l'observation du paysage de Campos do Jordão, un ville située dans la Serra da Mantiqueira. Durant cette période, il réalisera des expériences de mélange de sable et de peinture à l'huile. Les arbres, les animaux, le climat tempéré, Segall condense tout son voyage de l'Europe de l'Est au Brésil et ses influences, trouvant sur le sol brésilien un paysage qui pourrait représenter un Brésil au climat tempéré.

Lors de son séjour à Paris, à la fin des années 1920, Segall intègre la sculpture à son répertoire qu'il continuera à développer aux côtés de la gravure et de la peinture jusqu'à la fin de sa vie.

Segall ne perd pas son lien avec l'Europe et l'Allemagne, restant en phase avec ce qui se passe sur le Vieux Continent. En 1937, dix tableaux furent inclus dans l'exposition « Art dégénéré », organisée par Hitler en Allemagne dans le but de ridiculiser l'art moderne, en particulier l'expressionnisme allemand. Parmi ces tableaux se trouve l'œuvre Eternos Caminhantes, sauvée après la Seconde Guerre mondiale par son épouse, Dona Jenny Klabin. Segall avait épousé Jenny en 1925 - elle était issue d'une importante famille juive vivant au Brésil - et c'est elle qui, dix ans après la mort du peintre, fonda le musée Lasar Segall.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Segall a peint l'épopée La Guerre, aujourd'hui conservée au Masp (Musée d'art de São Paulo), décrivant les barbaries de la guerre. Il peint également un autre tableau épique, Le Camp de concentration, en 2. Ces deux grandes œuvres - au format géant - rejoignent deux autres, intitulées Le Navire des Immigrants, qu'il peint entre 1945 et 1939, et Pogrom. Ces œuvres contiennent l'essence de la mélancolie et de la préoccupation humaine de Segall.

Enfin, dans ses dernières œuvres, Segall approfondit le thème de la forêt, sur lequel il a commencé à travailler à Campos do Jordão. Durant cette période, il abandonne cependant la figure humaine ou animale et se concentre uniquement sur les troncs d'arbres et les variations chromatiques de ces troncs, le sol et la lumière. Ici, Segall abandonne presque complètement la figuration, transformant les éléments du paysage en quelque chose de majoritairement abstrait.

Lasar Segall est décédé en 1957 des suites d'une crise cardiaque. Il laisse une œuvre marquée par des thèmes humains et par le souci des moins favorisés, non pas sous forme de pamphlet ou de politique, mais à travers la souffrance et la tristesse. La mélancolie qui marque son œuvre traduit en portugais brésilien la souffrance des exilés, qu'ils soient juifs de la diaspora ou noirs yoruba. Ils traduisent également, en termes esthétiques, ce qu'il y avait de plus sophistiqué dans l'art moderne du début du XXe siècle – en incorporant au mouvement moderniste brésilien les influences directes de ce qui était le plus avancé du modernisme européen. Enfin, Segall reste, avec ce qu'il y a de plus significatif dans l'art, brésilien - comme quelqu'un qui, sans excès, traduit la mélancolie universelle de l'âme humaine au cœur du peuple brésilien.

Notes:

(1) Groupe d'artistes formé de Conrad Felixmüller, Will Heckrott, Laser Segall, Otto Dix, Otto Schubert, Constantin von Mitschke-Collande et Hugo Zehder.

(2) En allemand, Le Pont. Mouvement fondé en 1905, à Dresde, par Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff. Il comprenait également la participation d'Otto Mueller ; il a été fermé en 1913.

(3) HALLE, Fannina W. "Bubü de Montparnasse". Dans : BARDI, PM Lasar Segall. São Paulo : Imprensa Oficial, 2000. p. 116

João Grinspum Ferraz - Étudiant en Master en Sciences Politiques à l'Université de São Paulo (FFLCH - USP)